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Reseña Epica: ¿Está “Requiem For The Indifferent” A La Altura?


Por fin, después de varias semanas me daré el tiempo para escribir sobre Epica, que sin haberlo planeado, se ha convertido en la banda que más he reseñado en este blog.

Las disculpitas:

El disco anterior de esta banda holandesa “Design Your Universe”, es un caso extraño para mí. A muchos les pareció en su momento el mejor disco que Epica había grabado, a mí, no me parecía gran cosa. Es cierto, técnicamente Epica había mejorado muchísimo, la maestría en los instrumentos se había hecho más evidente, la fuerza y la voz de Simone había mejorado con creces, pero yo seguía diciendo que el “The Divine Conspiracy” me parecía en muchos aspectos, superior a cualquier otro disco que la banda hubiera hecho hasta ese momento.

Aprovecho este post para decir que muchas veces, un disco no te parece tan bueno, pero tiempo después, en otro contexto de tu vida y habiendo escuchado muchas otras cosas en el camino, regresas a ese disco “no tan bueno” y tus sentidos lo detectan diferente, mejor, mucho más superior de lo que habías pensado al princio. Esto fue exactatemente lo que me ha pasado con “Design Your Universe”, que ahora, mucho tiempo después de haberlo reseñado, me ha parecido un disco increíblemente bueno, superior en muchos aspectos (especialmente técnicos) al compararlo con “The Divine Conspiracy”.

De esa forma me dí cuenta de que caí en uno de los mayores pecados: dejé que mi subjetividad, impulsada por mis ataduras emocionales y de contexto con The Divine Conspiracy, pudiera más que el análisis crítico.

En pocas palabras, me retracto de la reseña de “Design Your Universe” no porque alguien haya influido en mi opinión, sino porque mi contexto ha cambiado y ahora más que nunca, me parece un excelente disco.

Habiendo terminado la parte de las “disculpitas”, creo que es necesario comenzar con la reseña del nuevo disco. (más…)


Nightwish: Imaginaerum, Un Soundtrack Metalero.

Imaginaerum

Advertencia: Esta es una reseña escrita por una fan de hueso colorado. La capacidad de síntesis brilla por su ausencia.

En un post de hace ya un tiempo, escribí algo sobre Nightwish. Nunca antes había tenido la oportunidad de reseñar algo sobre la banda porque el disco de “Dark Passion Play” nació mucho antes de que yo tuviera la idea de hacer un blog musical.

Pero hace ya algunos meses llegó la oportunidad de traer a este blog, un post dedicado a la banda que marcó mi vida puberta y que me introdujo hacia este hermoso género musical que es el “Metal”, con sus subgéneros y e hijos híbridos musicales.

Guardé silencio durante muchos meses, sin mencionar nada sobre la banda, porque me había hecho el propósito de no reseñar nada hasta tener el disco original, con todo y su paquete de edición limitada que, diciéndolo de alguna manera, me dio la “reventada económica” de mi vida. El paquete tardó meses y meses en llegar, pero lo tengo ya en las manos, y como fanática asquerosa que soy, sé que cada peso fue la MEJOR inversión que pude haber hecho en años. En fin, podría hablar de lo magnífico que es el boxset de edición limitada, pero, ustedes están aquí para leer reseñas (espero yo).

Comencemos por el principio, antes de que me vaya en uno de esos viajes marihuanescos y terminé haciendo una reseña sin estructura de esas que me encanta escribir.

(más…)


“Ceremonials: Florence + The Machine, Rompiendo Con La Maldición Del Segundo Disco”


Por más que me asaltan las ganas, nunca me hago tiempo para hacer una reseña. Los discos buenos en los oídos nunca faltan, lo que falta es el tiempo para escribir qué tan buenos son. Así que aquí estoy, en una tarde lluviosa, en casa, y con tiempo. Una tarde FoverAlonesca que tanto me agradan y que es perfecta para reseñar un disco que estuve esperando con ansias.

 Nuevamente es tiempo de volver a mencinar a “Florence + The Machine” en este blog. Acaban de sacar nuevo disco, que lleva por título “Ceremonials”.

Con todo lo positivo llega una parte negativa también. Con una opera prima que resulta ser un éxito, automáticamente te echas encima la maldición del segundo disco. Una maldición avalada por la iglesia de Anton Lavey y mencionada en los escritos de Crowley… usted perdone, me confundí de blog, pero sí.

El tener que “superar” de una u otra forma el primer disco, es siempre una prueba muy difícil y que muy pocos han podido superar y contarle a sus fans: “yo superé la maldición del segundo disco”.

 Para Florencia y su máquina musical, la situación no pintaba diferente. Ni sus sonidos divinos de arpas celestiales, ni la pandereta, ni la explosiva voz de su vocal podían asegurar un triunfo seguro en esta segunda historia de su discografía. Las expectativas eran demasiado altas, pero los ingleses se tomaron su tiempo.

 Por ahí, cayó “Heavy in Your Arms”, grabada e incluída para el sountrack de “Eclipse” (no mencionaré nada acerca de la horrible saga, pero sí de los buenos sountracks que cada película han contenido… en algún momento de la vida).

La canción me pareció desde el principio, algo diferente al sonido que presentaron en “Lungs”. Desde la estética del vídeo, pasando por la letra y el sonido aplastante, “Heavy In Your Arms”, era una pista de hacía dónde se moverían musicalmente.

 Por fin, el 31 de octubre, y habiendo lanzado antes el primer single del disco (“Shake It Ou”), la segunda placa de Florence + The Machine veía la luz. Lanzado en el mero, mero día de Halloween.

Junto con las ánimas de este día, y las efemérides de la Biblia Satánica (porque a diferencia de “la maldición del segundo disco”, el 31 de octubre sí fue incluída por Lavey), “Ceremonials” nos regalaba algo que muchos no esperaban tener (incluyéndome): una evolución, un nuevo sonido para Florencia.

 “Ceremonials” tiene todo lo que “Lungs” tenía: sonidos de panderetas en las canciones, aderezadas con cueras de arpa, bien mezcladas con los sonidos típicos de otros instrumentos, letras divertidas y la enigmática voz de Florence Welch… pero todo en un sonido más maduro.

 Dándole vueltas a las neuronas, pensando en cómo describir el sonido de “Ceremonials”, sólo se me vinieron a la mente dos: obscuro y maduro.

A diferencia del disco pasado, las canciones en este nuevo disco, están envueltas de un atmósfera fantasmagórica y coros cantados en antiguas iglesias abondonadas

Abriendo el disco, nos encontramos con una canción que fue una perfecta elección para introducirnos al nuevo disco: “Only If For A Night”, nos da la bienvenida con el sonido del arpa, para luego lanzarnos a la vibra electrónica- orquestal- barroca que llevará todo el disco. Una canción en dónde la voz de Florence nos presenta un trabajo nuevo a la hora de la mezcla y edición, de manera que la voz trae consigo una especie de eco que sobresale durante toda la canción. Además de esto, los coros comienzan a aparecer como voces del más allá, que acompañan a la banda en este nuevo sonido.

La canción nos habla acerca de una aparición que habla con Florence. Ella misma dice haber pensado en su abuela muerta y su aparición fantasmagórica al realizar esta canción.

Rápidamente, el single aparece en los oídos: “Shake It Out”, nos sigue llevando de la mano con el sonido de un organo, las pandaretas vuelven a hacer acto de presencia, marcando el paso. La canción va creciendo hasta llegar a un épico coro: “Shake It Out”. Una hermosa canción, que fue un gran acierto al ser escogida como primer single. Nos muestra un nuevo sonido, una canción que avanza pesada y obscura, y que sin embargo, te llena de un sentimiento de esperanza y luz.

Una esperanza de que las cosas malas siempre pueden quedarse atrás. Sacudir los malos recuerdos y las malas experiencias son parte de la vida, y este es el tema de ésta canción tan llena de poder ecléctico y épico.

“What The Water Gave Me”: Un título que nació inspirado en una pintura de Frida Kahlo, y la imagen de Virginia Woolf en el momento en que decidió que el agua llevara su vida río abajo. Una canción engimática, el arpa está ahí, los coros crecen, junto con el sonido de la batería que hace una afortunada aparición en este segundo disco, ganando un poco más de protagonismo. Incluso los rasgueos de la guitarra suenan un poco más protagónicos en este segundo trabajo, pero sin llegar a opacar ningún otro instrumento de la receta mágica de “Ceremonials”.

Como todas las grandes canciones, el tercer corte del disco comienza como un susurro y termina como un gran grito lleno de energía. Una canción que crece mediante pasan los segundos, hasta convertirse en una obra de música épica, que nos despide con el arpa.

“Never Let Me Go”, nos llama a prestar atención nuevamente con el sonido del piano marcando el ritmo, mientras las notas caen. Florence avanza segura con su voz acogedora. Los instrumentos se van agregando, para dar paso al coro. Una canción lenta, una balada que acompañada con el sonido del teclado, el arpa, los pasos lentos y marcados de la batería e incluso un sintetizador, nos invita a relajarnos y dejarnos llevar por la música.

La batería nos da paso a una simpática y alegre melodía que se antoja incluso algo melosa. Los arreglos de cuerdas nos hacen pasear por un pasaje sonoro luminoso. La voz de Florence, grabado y vuelta a grabar, y puesta capa por capa, una sobre otra, nos toma y no nos deja ir.

“Breaking Down”, es una canción sarcástica: una melodía alegre con unas letras no tan luminosas, sino todo lo contrario.

Posteriormente, llega “Lover to Lover”, una canción que va más de la mano con unas influencias más “souls” y “groovys”. Un teclado protagonista, una pandareta y batería mejores amigos, y hasta un coro gospeloso podemos encontrar en esta canción, y en dónde la vocalista luce sus dotes vocales en la forma más barroca posible. Sí lo que Florence quería, era demostrar que podía cantar, esta canción lo prueba muy bien.

“No Light, No Light”, marca el regreso a las rolas atmosféricas, barrocas y obscuras que habíamos escuchado. La cantidad de arreglos que esta canción nos da es imposible de describir. Arreglos corales, guitarras, batería, arpas, panderos, teclados, arreglos de cuerdas… todo perfectamente mezclado para darle a tus sentidos un orgasmo musical, lleno de vida y de palabras que hacen eco y penetran tus oídos con gran fuerza. Recomiendo escucharla con audífonos para tener toda la experiencia.

“Seven Devils”, es la canción que continúa, y en mi opinión, es una de las canciones más interesantes que esta banda ha hecho hasta el día de hoy. Una canción que resume en 5 minutos, toda la evolución que “Florence + The Machine” ha logrado en este tiempo. Una canción que incluso por momentos puede parecer lúgubre y perturbadora; sensación lograda por la fusión de los sonidos “ecosos” que son tomados como base y el sonido amplificado del arpa.

La canción que sigue, es una de las razones por la que agradezco el nuevo “protagonismo” de la batería. Es el sonido de sus tambores una de las principales razones por la cuál, ésta canción es una verdadera belleza. Escúchala, y dime sí la canción no le debe mucho al trabajo del baterista. Por cierto, el nombre de esta canción es “Heartlines”.

“Spectrum”, comienza con un inicio más “electrónico”, por describirlo de alguna manera. Una de mis canciones favoritas, sin lugar a dudas. Una canción electrónica, con sintetizador y un arpa que nos regala notas por encima. Es probablemente, una de las canciones que suene algo “alejado” del resto de las otras rolas que la banda nos ha ido ofreciendo a lo largo del disco, pero que no causa malestar, ni rompe con la atmósfera en la que nos hemos visto envueltos hasta este momento. Al contrario, se agradece una canción algo diferente al resto, incluso hasta más “simple” en sus adornos.

Florence Live

Acercándonos al final del disco “normal”, llega “All This And Heaven Too”, que sigue más o menos la misma fórmula que el resto de las canciones. Incluso, podía aventurarme a decir, que es probablemente, una de las canciones que más me recuerde al primer trabajo de la banda. Hasta incluída como “Lado B”, de “Lungs” podría haber funcionado maravillosamente.

“Leave My Body”, llega para finalizar el disco. Una canción en la que explotan al máximo los coros barrocos provenientes de otros mundos.

Para la parte “Deluxe” del disco, tenemos 3 canciones más, que ojalá estuvieran incluídas dentro del disco normal. Tengo la suerte de haber comprado la edición “Deluxe”, y me parece que las canciones hubieran amenizado el disco.

Las tres canciones transmiten una vibra distinta al resto de las canciones. Suenan más electrónicas y experimentales, pero sencillas en comparación con el resto de la obra musical que la banda inglesa nos ha regalado hasta ahora.

 Debo mencionar a “Stangeness and Charm”, una canción hermosa. Otro orgasmo musical marca Florence y su máquina inglesa.

 Entonces, y para resumir: “Ceremonials” debería ser llamado también el disco de las “mil capas”. No es un disco fácil de escuchar, a diferencia de “Lungs”, que me parece un disco más accesible y llevadero para cualquier escucha. “Ceremonials” trae consigo sonidos llenos de influencias y complicados arreglos musicales. Todo el disco fue creado para envolverte en una atmósfera tan llena de sonidos simultáneos, que no sabes en realidad por dónde va un instrumento cuándo el otro ya viene de regreso. Es un disco lleno de esos momentos mágicos, en el que por más que lo escuchas, a la siguiente vez, encontrarás algo nuevo.

Las canciones son más obscuras, más extensas, más tétricas, diferentes. Pero, la GRAN diferencia entre este nuevo disco y el “Lungs”, recaen en una sola cosa: la fuerza de los coros. La apuesta por los coros, tanto los que están formados por la misma voz de Welch, como por voces adultas y de niños, hacen de “Ceremonials” un disco lleno de magia, un disco épico, distinto y con un sonido más trabajado que la obra anterior.

Señores, pocas veces ocurre que una banda logra superarse en el segundo disco… Yo debo decir que para mí, “Florence + The Machine” se superó, y nos dio más de lo que esperábamos. Se la llevaron tranquilo, se pusieron a trabajar, amoldaron aún más su sonido y lo embellecieron con más capas de dulces armonías. Es un disco barroco, maduro, mejorado, mágico, épico, obscuro… al final de la reseña, ya por fin se me ocurren más adjetivos para calificar este disco. Sin embargo, no es un disco para todos, esto es por seguro. Tendrás que escucharlo para saber sí es lo tuyo, o de plano te quedas con lo logrado en “Lungs”.

 “Ceremonials” Florence + The Machine Descargar


“The Hunter: ¿El Black Album de Mastodon?”



 ADVERTENCIA: Mi capacidad de síntesis, es NULA.

Olvidado el blog ha estado, más sin embargo, este mes nos ha dado grandes noticias y trabajos dentro del metal.

Hace ya unos meses hablé acerca de “Mastodon”, en una pequeña entrada que no le daba la importancia que en verdad tienen dentro de mi colección musical.

Mastodon acaba de estrenar “The Hunter”, y la banda y su casa disquera han echado “la casa por la ventana”, con la increíble promoción que le han dado al nuevo material, antes de salir al mercado.

Dos singles de “probadita” de lo que sería el nuevo material, increíble playeras de colección, material audiovisual para cada uno de los cortes en el streaming youtubero, entre otras cosas más.

La banda dijo desde mucho antes que se infiltraran el disco y los singles, que el nuevo disco sería algo diferente , que se estaban ocupando por hacer canciones con más “punch” y directas, un retorno a su sonido de antaño.

La banda cumplió lo declarado: las canciones son cortas. La canción más larga apenas sobrepasa los 5 minutos. Cosa rara para una banda como Mastodon, que se había ocupado de entregarnos canciones bastante largas. Lo vimos en “Crack The Skye” con la rola de “The Last Baron” o “The Czar”. Las opiniones son variadas. Yo comenzaré por hablar sobre la opinión personal que tengo sobre esta banda.

Desde mi punto de vista, hay dos bandas “estandarte” del metal estadounidense en estos días: Una de ellas es “Lamb Of God”. En este punto, muchos opinarán que LOG es una banda sobrevalorada, que se queda muy corta sí es comparada con “Mastodon”; pero algo que no se puede ignorar es que, los de Richmond, tienen poder y han exportado nuevamente el metal estadounidense hacia otras latitudes, y Randy tiene una voz sumamente imponente.

El segundo estandarte, lo encontramos precisamente en “Mastodon”. En mi opinión, en este post estaremos hablando de LA mejor banda que Estados Unidos nos ha regalado en ésta última década. Te reto a que salgas a buscar una banda que suene igual que Mastodon. Hasta el día de hoy, y después de cuatro años escuchando a Mastodon, no he sido capaz de encontrar a una banda que suene tan maciza y completa en Estados Unidos. Entre sus riffs poderosos, sus complicadas estructuras musicales, su deliciosa forma de escribir canciones y una batería impresionante, Mastodon se ganó el respeto de todos a base de mucho esfuerzo y de tres poderosos discos conceptuales. Lo mejor de todo, es que los tres discos, no sólo son discos redondos y completas obras estandartes de la genialidad del metal (o sludge, sí es que eres de los fanáticos de las etiquetas), sino que cada disco es diferente y sin embargo, siguen teniendo la escencia de la banda.

“Leviathan” un disco que los catapultó a la fama y “Blood Mountain”, son, en mi opinión, dos discos que se relacionan más, musicalmente hablando. La brecha se abre con el disco pasado: “Crack The Skye”, una vuelta de 360° del estilo que venían manejando. El poder de la banda se seguía sintiendo en cada una de las canciones, y sin embargo, la complejidad musical, las influencias plasmadas, todo, era diferente en Mastodon. Se habló muchísimo acerca de que Mastodon había estado escuchando bandas más tiradas al rock progresivo, y Crack The Skye hablaba por sí solo para confirmar esos rumores.

Entonces, teniendo de presentación, tres trabajos anteriores sumamente exitosos, ¿qué podíamos esperar en una nueva placa de Mastodon?… La respuesta a esa pregunta era sencilla, sí te consideras fan de Mastodon: EVOLUCIÓN. La pregunta complicada era: ¿Qué tipo de evolución haría Mastodon?… me parece que la banda logró un nuevo sonido, que no dejó indiferente a nadie. Todos tienen una opinión sobre “The Hunter”. Incluso he leído algunas opiniones acerca de que este disco se puede considerar el “Black Album” de la banda.

El disco abre de manera directa y con energía. La primera canción que escuchamos es “Black Tongue”, con un riff fácil de recordar, engachador. El trabajo de batería como siempre, es uno de mis aspectos favoritos. Brann es un increíble baterista, y la banda le debe muchísimo al tipo, por el impresionante sonido que han logrado.

“Black Tongue” es probablemente una de las canciones que más me recuerdan a sonidos más de “antaño”, por así decirlo. No es una canción veloz, sin embargo, marca un buen ritmo de inicio, sobretodo al llegar al coro, en el cuál los riffs se aceleran. Una excelente canción para iniciar un disco y que da pie a la segunda canción, con la cuál la velocidad sube y la energía llega.

“Curl of The Burl”, es una canción que ha recibido críticas divididas. Algun@s piensan que es probablemente, una canción que marca el fin de una era e inicia otra en la carrera de Mastodon. La segunda canción es rápida, llena de energía, pegajosa, con uno de los riffs más fáciles de tararear en toda la discografía de Mastodon.

“I killed a man ´cause he killed my goat…” un inicio increíblemente pegajoso, que te permite recordar la canción de manera sencilla. El bajo y la segunda guitarra de Bill van por debajo, siempre en segundo plano, dejado reinar el riff pegajoso de Brent.

Es probablemente una de las canciones más radiables y fáciles de escuchar de la banda. Probablemente una de las canciones que permita entrar a Mastodon muy fácil y bastante arriba en las listas de popularidad. Es aquí dónde viene el problema: ¿Mastodon fácil de escuchar y radiable?… Eso NO puede ser, pero esa es una reflexión que me gustaría dejar para el final de la reseña (o la letanía)

La tercera rola llega con “Blasteroid”, comienza con los riffs de Brent, y los platillazos y tambores de Brann. Abre rápida pero con voces limpias. Una canción melódica que avanza rápido, hasta llegar a los coros en dónde las voces rasposas y gritonas de Troy nuevamente regresan. Una canción rápida, dura apenas dos minutos. Sirve como puente, para una de mis canciones favoritas en el disco:

“Stargasm”, la cuál empieza con un bonito trabajo de punteo de guitarras, y los tambores de Brann. Con un inicio introspectivo que te permite viajar, para luego darte un punch enérgico: “The temple of bodies, a building with souls…” son las palabras que te llevan a viajar junto a unos riffs rápidos, veloces, batacazos rápidos y complejos. La canción es una fusión entre energía con pasajes que por momento recuerdan al disco anterior.

En una entrevista, Brann dijo que la canción habla sobre hacer el amor en el espacio, tan sencillo como eso.

Luego llega “Octopus Has No Friends”, una de las canciones con el inicio más melódico que le he escuchado a Mastodon en toda su discografía, y sin embargo al llegar al coro, la pesadez y la parte más obscura llegan, las voces dicen: “I’m on my way back home”

Una canción dónde te das cuenta (nuevamente) en dónde recae la fortaleza musical de la banda: las guitarras con ese sello único y el increíble trabajo en la bataca, siempre machacante, siempre rápida, siempre atinada y siempre imponente en su complejidad. Una canción en definitiva más “amigable” pero que sin embargo, no se deshace de todo lo que nos agrada de la banda. La complejidad de sus composiciones sigue ahí, pero se ha transformado en algo más.

  “All The Heavy Lifting” hace protagonista nuevamente a la batería, marcando    un inicio más pesado y siniestro. La voz de Troy entra rápidamente en escena,    desgarradora y llena de esa vitalidad única. Esta canción tiene una fusión de ese  sonido alcanzado en canciones de “Crack The Skye”, con un toques de  malignidad del “Leviathan” y “Blood Mountain”. Es una canción que encierra en  4 minutos y medio, todo lo que Mastodon significa. Y me parece muy simpático  que Troy cante: “We didn’t come this far, just to turn around…”, ya que me  parece que es una de las canciones que resume perfectamente el nuevo sonido  de la banda, su nueva personalidad, y me parece que ya no hay vuelta atrás. Te  guste el sonido o no, ellos van a seguir tirando hacia nuevos horizontes.

La siguiente canción, llega en lo que a mí me parece la segunda parte del disco. Verán, no es un álbum conceptual, sin embargo, todas las canciones siguen más o menos un sonido que las une de una u otra manera, y a su vez, todas estas canciones, están repartidas en dos partes (en mi opinión). La primera parte, desde el inicio hasta “All The Heavy Lifting”, son canciones más rápidas y llenas de energía, con más poder y que incitan un poco más al headbanging.

La segunda parte, llega con la canción que da nombre al disco: “The Hunter”, y me parece que es la parte dónde las referencias musicales al disco anterior son aún más palpables. Todas las canciones que a continuación siguen, son más “lentas”( a excepción de “Dry Bone Valley” y “Spectrelight”), y sin embargo, tienen una complejidad impresionante. En esta parte hay canciones realmente épicas.

“The Hunter”, llega con un hermoso punteo de guitarra, el sonido cristalino de los platillos convierten el inicio en un viaje de sonido. Las voces limpias vuelven a entrar, de manera más calmada, llevándote a un mood nostáligco, triste, misterioso.

“All the love I make, is equal to the love I take…”, una canción más relajada, pero bella, en el que incluso se incluye un solo de guitarra que corona la canción. Una canción que está hecha para disfrutar y reflexionar en silencio, mientras el sonido te envuelve.

Troy Fuckin' Sanders

Posteriormente llega “Dry Bone Valley”, que a diferencia de su antecesora marca la pauta con un ritmo más rápido y que sin embargo, encaja bien en esta parte, pues cómo les comentaba hace un rato, toda ésta segunda parte del disco, recuerda a canciones de su trabajo anterior. “Dry Bone Valley”, podría estar incluída, sin ningún problema, como Lado B de “Crack The Skye”

Luego llega “Thickening”, en esta onda de viaje sonoro espacial. Una canción con un trabajo de ingeniería bastante bueno en el sonido de las guitarras. Canción a medio tiempo, ni rápida, ni lenta, pero que mantiene una vibra. Al llegar a la mitad de su duración, la canción hace un cambio bastante natural de ritmo, la velocidad de los riffs y la batería se elevan y la canción se vuelve a llenar de esa pesadez y obscuridad que Mastodon suele regalarnos en sus composiciones. Una canción compleja, que está llena de detalles y cambios de ritmos, que suben y bajan la velocidad.

Ya nos vamos acercando más al final del disco y llega “Creature Lives”, que inicia con unos extraños sonidos que recuerdan a alguna película de ciencia ficción y unas risas, que extrañamente me recuerdan a “Brain Damage”de Pink Floyd. Los sonidos se acaban y el sonido del bajo llega de la mano con un punteo bastante melódico en la guitarra, acompañado de la batería marcando el paso. Las voces se hacen más cordiales . No estoy segura, pero me parece que el encargado de las voces es Brann y no Brent, ni Troy. Una canción que seguramente, a muchos de los fans no les gustará para nada. No es una canción que esperas que Mastodon haga, incluso se siente rara dentro del disco, pero sin embargo, no logra desentonar con ésta segunda parte del álbum.

“Spectrelight” llega posteriormente, como un madrazo para sacarte la cerilla o la flojera que podrías estar acumulando, sí no te gustó la canción anterior. Ésta rola, es la única que no me cuadra dentro de la segunda parte del disco, ni siquiera “Dry Bone Valley” con su velocidad y fuerza, logran desentonar con el resto de las canciones. Sin embargo, es una de mis canciones favoritas dentro del disco. La canción avanza rápida, violentamente y maciza en todos los sentidos. Una canción típicamente mastodónica, que recuerda en cada nota, a trabajos anteriores y más metaleros. Las voces rasgantes, se proyectan encima, dándole ese toque de energía que hacen de la canción todavía mejor. Tienen un puente musical en dónde los riffs poderosos machacan tus oídos, junto a los brazos y piernas del baterista que avanza con fuerza en los batacazos. Rápida, siniestra y llena de energía, con todos los guiños al sonido de antaño de Mastodon. Probablemente sea una de las canciones que más les guste a los amantes de “Blood Mountain”

 “Bedazzled Fingernails”, llega después de ese madrazo de energía que es  “Spectrlight”. Al llegar se incorpora rápidamente en ese sonido  indefinible que sólo se puede describir como el “sonido Mastodon”.  Nuevamente, las voces reciben un tratamiento único que las hace parecer robotizadas. Una canción que se siente más de una película de ciencia ficción. Es una de las canciones dónde mejor podemos apreciar el sonido del bajeo de Troy. Canción a medio tiempo, como la mayoría de las rolas incluídas en ésta segunda parte, y que sin embargo no deja de lado el misterio y la atmósfera obscura que Mastodon imprime en sus trabajos.

Llegamos a la última canción: “The Sparrow”, que abre con un punteo de guitarra hermoso, y al que el resto de los instrumentos se van uniendo. Un incio que te permite relajarte, y comenzar a sacar tus conclusiones acerca del nuevo sonido de la banda. Las voces limpias, acompañan la hermosa melodía, pero no sobre de ella, sino como parte de ella. Se hacen instrumentos, para transmitir la atmósfera nostálgica que exuda la canción a través de cada nota. A la mitad de la canción, los riffs más pesados vuelven a aparecer, convirtiendo la canción, en una verdadera composición épica, llena de vida y personalidad propia. A partir de ahí, la canción nos regala un hermoso solo de guitarra distorsionado a la manera Mastodónica, y el resto de la canción se desenvuelve más o menos de la misma manera. Una canción que cierra de manera impresionante un disco que está lleno de influencias variadas y sonidos distintos a lo que Mastodon nos tenía acostumbrados.

Es en este momento, dónde retomo nuevamente el tema que había dejado pendiente: ¿Mastodon Radiable?… Es algo que nunca ha gustado a los fans del metal, y que muy pocas veces soportamos. Soy fan de muchas bandas, he odiado muchas veces que el sonido cambie y se comercialice, porque las composiciones se notan de un día para otro, pretenciosas y aburridas. Pero algo pasa con Mastodon que no puedo odiarlos en su nuevo sonido “radiable”. Como dije en alguno de los párrafos perdidos de arriba: Mastodon ha puesto en éste disco un nuevo sonido, que tal vez en principio sea más radiable, pero que sin embargo no deja de lado la complejidad de sus composiciones. No es un disco mainstream cualquiera, el sonido y todo las características están en cada una de las canciones. Incluso ahora, no creo que podamos escuchar el disco sin saber de quién es, y no pensar inmediatamente en las guitarras de Brent y Bill, en el bajeo feroz y la voz rasposa de Troy y la bataca de Brann.

Sí es un disco radiable, no creo que haya sido por expandir un mercado. Incluso se me hace una evolución natural dentro del trabajo de un artista. Hay que tener en cuenta, que el trabajo de un artista es esencialmente hecho para él, como método de catarsis a sus experiencias y frustraciones. Sí los demás disfrutan de ese trabajo, es un plus para la obra artística. Después de venir haciendo tres trabajos sumamente complejos, y con “Crack The Skye” como una verdadera obra de arte dentro de la discografía de la banda; el camino lógico para Mastodon era realizar un trabajo en el que se pudieran divertir y relajar.

“The Hunter” es un disco divertido, relajado y que sin embargo no deja de poner bien claro que la banda ha evolucionado

"The Hunter"... ¿El disco radiable de Mastodon?

y busca nuevos horizontes artísticos. Todo lo que han hecho en trabajos anteriores se encuentra repartido en las diferentes canciones del álbum, pero de manera más sintetizada, más concreta y más directa. Los tipos han crecido y saben exactamente que es lo que quieren producir sin extenderse demasiado. Las sensaciones que provocan siguen siendo las mismas, y la maestría en los intrumentos siguen estando ahí.

Sí a eso le agregas que los tipos de Atlanta, siempre se han ocupado de regalarnos trabajos redondos en todos los aspectos, como por ejemplo, las increíbles portadas de sus trabajos y hasta la mercancía que venden, hace a Mastodon una banda aún más grande. Los tipos se hacen cargo de cada detalle, todo en ellos hace referencia a ellos mismos y a ninguna otra banda.

Mastodon es grande. Vuelvo a repetir, LA mejor banda estadounidense que nos han regalado en la última década. Yo me quedo más que satisfecha con éste disco, no esperaba que pudieran superar los trabajos anteriores, pero se superaron de distinta manera: lograron un nuevo sonido, evolucionaron, crecieron, me ofrecieron algo nuevo; y eso es algo que yo siempre aprecio en un artista… Se hará más radiable, sin lugar a dudas, pero eso nunca me ha parecido malo, sí el artista mantiene su esencia.


“Belphegor, Fórmula Satánica”


Después de unos días de desconexión completa del mundo real, regreso con una renovada fe en la metal y en la música en general.
Sin más preámbulos de hueva, venga la nueva reseña.

Los demonios austriacos del denominado “Blackened Death Metal” : Belphegor, están de vuelta en los oídos de los más atascados, con su nueva producción “Blood Magick Necromance”. El título es totalmente un cliché del metal satánico y ocultista, y con sólo mirar la forma de vestir, posar y hablar de los integrantes podemos ver que están bien metidos en sus ondas “malignas” que pueden caer incluso en los “payaso” por así decirlo. Hace muchos años leía en mi biblia musical mexicana que la estética exagerada se les perdonaba por una sola cosa: Porque el metal que hacían era increíblemente brutal y de excelente calidad.

Bueno, la “SWITCH” tenía razón… Yo conocí a estos austriacos apenas hace dos años, cuándo “Walpurgis Rites” acababa de salir, y por equivocación bajé ese disco en lugar de uno de Behemoth. Fueron de esos errores creados por el chivo para que conociera la potencia de estos señores. Me enamoré de “Walpurgis Rites” a la primera escucha, y pronto me descubrí haciendo una gran investigación sobre sus trabajos anteriores. Me he escuchado de todo en estos dos años, desde el “Bloodbath In Paradise” del ’93 hasta el más reciente trabajo. He escuchado la evolución de Belphegor en sus distintas producciones y con los diferentes intregantes que han pasado por sus líneas de música podrida. Así que cuándo me disponía a escuchar “Blood Magick Necromance” tenía una idea bastante clara de lo que iba a encontrar en el disco, de lo que podía esperar y todo lo que creía que pasaría se hizo realizadad con la primera canción.

Algo importante antes de hacer la reseña de este disco es saber una cosa: En esta nueva producción NO encontrarás nada nuevo que los austriacos no hayan hecho anteriormente. No hay que esperar nuevos conceptos en sus letras, sonidos más progresivos, ni nada por el estilo. Belphegor ha desarrollado y perfeccionado una fórmula que les ha funcionado… a ELLOS, más que a cualquier otra persona. En el post anterior hablé acerca de las fórmulas repetidas, aburridas y sin propuesta… Pero Belphegor es la prueba de que cuándo una fórmula tiene un sello característico que propuso y que aún ahora sigue proponiendo calidad, potencia y sigue siendo fiel a las ideologías y los gustos de quién lo hace, esa fórmula, esa repetición de calidad, puede ser perdonada cuántas veces sea posible. Ese es el caso de muchas bandas, y, es un caso que aplica perfectamente a Belphegor.

“Blood Magick Necromance” probablemente NO es el mejor disco de Belphegor y contrario a lo que muchos puristas de la banda dicen no es el peor disco, ni el más melódico o maricón, probablemente es uno de los discos más flojos de la banda, eso sí, pero no significa que sea un disco malo. Analizando la discografía de Belphegor puedes darte cuenta que la banda jamás ha perdido su camino musical, siempre ha sabido hacer lo mismo, lo único que ha cambiado radicalmente, para esta nueva producción e incluso para la anterior, es la calidad de producción que se le ha metido a cada una de las canciones. Los riffs black metaleros con sus tintes melódicos siempre han cabalgado junto a las canciones más pesadas de la banda, la diferencia es que en las primeras producciones la mezcla de sonido y la calidad con la que eran grabados eran menores, lo que hacía que sólo se pudieran apreciar sí les ponías toneladas de atención a los instrumentos… sí nunca fue así, entonces Belphegor sonaba realmente crudo y brutal, no tanto porque así quisieran sonar, sino porque las circunstancias los llevaba a sonar así.
A pesar de eso, algo que jamás se podrá negar es que Belphegor sigue sonando maligno, brutal y podrido hasta en sus producciones más “melódicas”.

“In Blood – Devour This Sanctity” es la primera rola que abre con unos riffs melódicos bastante tarareables que se prolongan hasta llegar a un puente musical más descansado, de los que acostumbran hacer en sus canciones el cuál “Hellmuth” hace el momento perfecto para comenzar a escupir todo ese odio y sadismo que existe en su mente. Una canción que en mi opinión es una buena dósis de lo que Belphegor ha hecho en todo sus discos anteriores pero que raya más por las líneas musicales del Black Metal, dejando un poco de lado los tintes Death.

“Rise To Fall And Fall To Rise” llega poco después, en una de las canciones más lentas del álbum, aunque el blastbeat de la batería acompaña todo el tiempo, los acordes de las guitarras se van por medios tiempos que hacen en conclusión, una canción dónde se nota la magnífica producción del señor Peter Tatgren y que incluso puede ser una de las canciones más “accesibles” que la banda ha hecho en toda su discografía.

En tercer lugar llegan de nuevo los toques más brutales y death con la canción que da título a la producción “Blood Magick Necromance” que abre melódica y rápidamente cambia a riffs que forman barreras de sonido que recuerdan a un Belphegor más de antaño. La canción refleja la habilidad en las guitarras tanto de Hellmuth como de Morluch, por sí a alguien no le había quedado claro. Esta rola ensalsa las habilidades de todos los integrantes, incluídas las habilidades vocales, utilizando la voz “multiplicada” del vocalista durante el coro. Una de las mejores canciones dentro de esta producción, sin lugar a dudas.

“Discipline Through Punishment” es otra de las canciones a resaltar dentro de la producción con sus punteos melódicos tan bien conocidos por producciones anteriores como en el “Walpurgis” o incluso en “Lucifer Incestus”… De hecho, esta canción a mí me gustó mucho porque me recuerda mucho al sonido que lograron en varias rolas de su producción del 2003, uno de mis trabajos favoritos dentro de su discografía.

“Angeli Mortis De Profundis” es de esas canciones en las que Belphegor quiere regresar a los tiempos inciales de trabajos como “The Last Supper” o “Blutsabbath”, y en dónde incluso logran dar nuevamente madrazos de sonidos extremos, comibinado la furia demoniaca de sus guitarras con la potencia y velocidad. Una canción que probablemente agradará a los fanáticos más puristas de Belphegor.

Después llega el primer single de este disco: “Impaled Upon The Tongue Of Satan”, una canción dónde la claridad de los riffs y la batería suenan exquisito. Podemos encontrar nostalgia por viejos sonidos en toda la canción, probablemente esa fue la razón principal por la que fue escogida como el primer corte publicitario de la producción. Me atrevería a decir que incluso esta canción pudo haber estado incluída en su producción del 2009 y pudiera haber funcionado perfectamente dentro de ésta.

“Possesed Burnig Eyes” es una canción que utiliza los mismos métodos y fórmulas de Belphegor, una canción que fusiona a la perfección es híbrido denominado “Blackened Death Metal” y con el sello de la casa austriaca.

Finalmente el disco termina con la canción de “Sado Messiah” una canción con riffs fuertes, potentes que se inclinan más al sonido black de la banda. Una canción potente, rápida, llena de ese sonido obscuro que tanto nos gusta de Belphegor, a mí parecer es probablemente la única canción que trata de proponer algo nuevo sin dejar de tener el característico sonido de Belphegor. Creo que no pudieron haber escogido mejor rola para terminar un disco que queda a medias tintas, pero que como dije al principio, no es un mal disco.

Para concluir una reseña que podría dejarte no estando de un lado ni del otro, diré:
“Blood Magick Necromance” es un disco que disfruto al escucharlo, tiene buenas rolas, buena técnica, letras MUY satánicas y que me da buenas dósis de Belphegor repartidas en 8 tracks que, aunque la producción y las mezclas suenan mejor que nunca, no logra tener la contundencia de álbumes pasados de Belphegor. No decepcionará a los fans, llena expectativas, pero no las supera. Mi lista de favoritos en cuánto a producciones de Belphegor sigue intacta y este disco se va para las memorias y sólo para tener “lo nuevo” de Belphegor sonando en mis oídos… algo así como un placer culposo dentro de su discografía, ya que inclusive el “Walpurgis Rites” me parece aún mejor… Pero bueno, esta como siempre, es MI sagrada opinión. El disco estará abajo… Sí pueden comprarlo original, MUCHO MEJOR (que no sea en Mixup… pinches rateros ¬¬)

Escúchalo, Sabórealo y dame tu opinión.

“BLOOD MAGICK NECROMANCE” DESCARGA


“De Abandono, Noticias y El Nuevo Disco de Cradle Of Filth…”


El blog anda abandonado… no hay excusas. Sólo pido piedad… porque aunque muchos de los que se pasean por aquí no dejen sus comentarios, sé mediante poderes mutantes de “Jean Grey” Mutante nivel 5 en la tercera parte de X- Men (chiste elaborado que pierde gracia por ser tan largo), que varios se dejan de dar sus vueltas por el blog y las visitas disminuyen cabronamente (no encontré mejor adjetivo).

Sin embargo, el día de hoy escribo por dos cosas: 1) Ya tenía planeado hacerlo. 2) Para evitar de esta manera salir de los links de mí excelentísima “Finísima Persona”

El contenido de este post es variado… tocaremos noticias importantes y una mínima, pequeñísima opinión acerca del disco más reciente de una de las bandas más “odiada – amadas” del metal.

Primer Tópico: “WILD METAL FEST”


Probablemente una de las… mejor dicho, LA MEJOR noticia que he tenido oportunidad de publicar en este espacio.

¿Quá carajos es el “Wild Metal Fest”?: Es un festival de metal realizado por mexicanos y para los mexicanos ( quote política) que se llevará a cabo del 2 al 5 de junio en Cancún, Quintana Roo. La ubicación es lo que hace “excelso”, no sólo porque es un lugar ad hoc para pasarse unos buenos días de dispersión, sino que es un lugar que me queda como a 4 horas de viaje, incluso menos, dependiendo de que tanto le pese el pie al conductor.

La cereza en el pastel de este festival son las bandas que estarán a cargo de ser líderes de cártel: Sepultura, Nevermore y Enslaved. Con sólo leer Enslaved en el cártel oficial me convencí que este festival DEBE ser mi regalo de cumpleaños, graduación y de reyes.

Nevermore son una chingonada y Sepultura tiene sus buenas rolas, aunque a decir verdad no me gustan tanto sin los hermanos Cavalera…pero, no es razón suficiente para no ir a menear la melena.

Los boletos salen a preventa en Ticketmaster el jueves 10 de marzo. El costo será de $490 por TODO el festival y debo decir que hasta los siento un poco regalados. Los gastos fuertes son la hospedada, transporte y lo viáticos, pero, al parecer habrán paquetes para que los metaleros puedan disfrutar al máximo de su estadía en Cancún.

Este Festival es bien, bien importante. Es cierto que en México ya comienzan a haber intentos de festivales masivos de metal… sin embargo, festivales de metal en el sureste mexicano y teniendo a bandas que cuentan con una buen trayectoria y un alto nivel musical, es algo que se da por primera vez. Mucho se ha hablado de la poca cultura que hay en México a la hora de los festivales musicales, y, al ser el metal un género tan poco gustado, podemos entender que los festivales metaleros están aún más abajo que otros festivales de música en México. Uno de los objetivos de este festival es crear la cultura del festival musical, y más en específico, la cultura de escuchar metal ya que también es un importante producto cultural y que muchas veces es considerado por la gente ignorante como “puro pinche ruido”.

Sí eres metalero y tienes la oportunidad, definitivamente, este festival es la opción para apoyar este buen género musical.

Segundo Tópico: El blog de “Gritos y Susurros” ahora se escucha también en Radio Internet

Yeah!, así como lo lees, el blog se está convirtiendo en un proyecto integrador y más completo. Hace unos meses comenté acerca del coqueteo que la dueña de este blog, estaba teniendo con la idea de crear un podcast y la idea se dio de manera diferente pero MEJOR.

Existe está página llamada “Earwax FM” ( www.earwax.fm) que es una página de radio de música alternativa por internet, que transmite variados programas con excelente contenido y muy buenas rolas en TODOS los géneros. Es una buena página, y a pesar de que la mayoría de los locutores sólo transmiten por el amor a la música y a la radio, la calidad de los programas es bastante buena.

De esa forma, decidí aventurarme en este nuevo proyecto que lleva por nombre el mismo título que este pequeño blog de wordpress.

“Gritos y Susurros” es un programa de dos horas en dónde cada semana escogeré temas, tópicos de los cuáles hablar durante dos horas, y, a partir de este tema creará una “playlist” que se relacione de alguna manera con el tema semanal. Hasta el día de hoy, llevo exactamente 4 programas y va funcionando bastante bien. En cuánto pueda subiré al blog las grabaciones de algunos programas, espero que se pronto… para que de esta forma, también puedan funcionar como podcast.

En fin, siento mucho no poder sentarme a escribir, pero cuándo no escriba algo… anímate a escucharme TODOS los miércoles a partir de las 9 pm en el link que está más arriba. Ahí te espero.


  1. Tercer Tópico: Breve Opinión acerca de “Darkly, Darkly, Venus Aversa”


Sí… me pareció apropiado aprovechar este pequeña post para hacer una pequeña revisión para este disco.

“Darkly, Darkly, Venus Aversa” es el disco más reciente de “Cradle Of Filth”… escuché este disco, casi al mismo tiempo que el “Abrahadabra” de Dimmu Borgir, y, no es por mala onda, pero, no esperaba mucho de él. Lo único que me mantuvo a la espera de la salida de este disco “conceptual” fueron las declaraciones de Dani Filth, acerca de que este era probablemente el disco de “COF” MÁS BRUTAL.

El disco salió, el concepto de las rolas gira en torno a “Lilith”, probablemente uno de mis seres mitológicos más apreciados.

El disco tiene sus buenos puntos: Los dobles bombos de batería y el trabajo del bataco en general es INCREÍBLE. Velocidad y excelente coordinación, un buen trabajo.

Las orquestaciones son también un gran punto a favor. Le dan un toque completamente obscuro, tétrico, violento, misterioso… ya saben, los ambientes a los que Dani y los militantes de su proyecto personal nos tienen acostumbrados.

Se extraña la voz de Sara Jezebel Deva en las voces femeninas.

Pero, sí alguien ha leído con frecuencia este blog, debe saber que mi “Modus Operandi” de escritura de post es algo así como “escribir 3 hojas de reseña sobre un álbum”… ¿Por qué no lo hago con este disco?

La respuesta es MUY fácil: Porque este disco no merece siquiera dos hojas de análisis.

Ya mencioné los puntos que me gustaron de este disco, ahora, es tiempo de lo que en MI opinión no funciona para nada en este disco: La repetición absurda de ritmo en muchas de las canciones. Sí algo solía tener “Cradle Of Filth” era la búsqueda de variados y numerosos cambios de ritmos en cada una de sus canciones. En este disco, algunas lo tienen, otras nos aburren con el mismo tonito… Otras como por ejemplo, “The Persecution Song” se vuelve TAN predecible como película animada de Disney, lo que nos lleva a aburrirnos con la mayor parte del disco o en su mejor resultado, nos hace perder la atención y concentrarla en algo más entrenenido.

Sí cuando Dani dijo que probablemente este sería el disco “Más brutal” de Cradle, espero que no crea que por subirle la velocidad a los bombos de la bataca y hacer que suene a decenas de caballos cabalgantes significa “Ser Brutal”. Los riffs suenan a lo mismo de siempre, es más, hasta parecen reciclados de MUCHAS otras rolas de Cradle y de MUCHOS otros discos.

Hay que aceptarlo… los ingleses hace mucho tiempo que encontraron la fórmula que les funciona y se han encerrado tanto que se convierte en un verdadero tedio escuchar el disco entero. Incluso hay una rola llamada “Forgive Me Father ( I Have Sinned)” que por momentos estoy esperando que la voz maricona de Ville Valo comienza a sonar…porque suena a cualquier rolita que HIM pudo haber hecho en uno de esos viajes delirantes que tienen en dónde sueñan ser la mejora banda de finlandia y una de las más revolucionarías del planeta con su disque “Love Metal” ¬¬… En fin, incluso, hasta por momentos se siente que finalmente Dani comienza a sentir más que nunca el peso el mal uso de sus cuerdas vocales. La voz suena desgastada y MUCHO menos potente como de costumbre.

Sí te gustan las letras de las rolas de COF, te gustarán éstas… al final el estilo lírico no se deja nunca de lado y las temáticas casi siempre redundan en lo mismo. Sí te gusta la música de COF, te va a gustar este disco, pero NO porque sea bueno, sino porque suena a lo MISMO de siempre :S. Creo que es cansado escuchar las mismas canciones desde hace 2 o 3 discos… prefiero poner cosas que hasta la fecha sigan proponiendo algo mejor…sus primeros discos son MUCHO mejores. Me atrevería a calificar este disco como un disco MUY mediocre, entre todos los discos mediocres que han hecho últimamente.

Me atrevo a decir que “Cradle Of Filth” enfrenta (ahora más que nunca) su muerte… tal vez no comercial, porque seguro segurán vendiendo, pero su muerte creativa y propositiva les llegó desde hace tiempo, sólo que ahora el cuerpo inerte comienza a apestar! :S 

P.D. Y con el perdón de los fans, el arte de la portada está más “piñata” que nunca :S y, el nuevo look de Dani me da risa… :S. Lo siento, porque les tuve aprecio…

En fin, de esta manera me despido… Espero en estos días poder subir un nuevo post! 😀