Blog de música rock y metal

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Reviviendo a los muertos: Acid Bath


Esta sección se llama: “Reviviendo a los muertos” y en la sección haré mini reseñas y recomendaciones musicales, mencionando a esas bandas que fueron y que dejaron de ser, antes de que yo pudiera encontrarlos con vida, cuando aún corría notas sangrientas por sus venas musicales.

Para inaugurar la sección, utilizando las técnicas del Dr. Frankenstein, salpicadas con las sales esenciales de Borellus, les traigo desde Lousiana a: ACID BATH.

Tal vez los conozcas desde hace tiempo, sobretodo si el sludge es lo tuyo. Yo tuve la suerte de encontrarlos gracias al buen @Kamaronn , quien me los recomendó ampliamente… y el resto es historia. Obsesión sería la palabra ideal para describir lo que me sucedió después de escuchar sus rolitas.

¿Por qué hay que revivir a Acid Bath?

 

 Porque lo son todo: black metal, death metal, stoner, sludge, doom, gothic, blues, grunge… tu di un género y seguro lo encontrarás en alguno de los riffs de Acid Bath.

La voz de Dax Riggs, nos puede llevar de los momentos más melancólicos y nostálgicos a los más agresivos, en donde la furia es la protagonista de sus cuerdas vocales.

Los riffs de la guitarra nos llevan a viajar a través de la distorsión metalera, pasando por las zonas más sensibles de nuestro ser y todo con unos buenos batacazos que reaniman el latir del corazón del más zombie, y eso que no hemos hablado de la poesía de las letras de las canciones… ¿suficientes razones?… ¿No?… bueno, entonces como dato cultural tal vez debas saber que Sammy Duet, vocalista y guitarrista de lo que actualmente es GOATWHORE, fue miembro de la banda, antes de comenzar su trabajo satánico como frontman de esta banda de blackened death metal. (más…)

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Nostra Morte y su disco “Sin retorno”: Metal sinfónico mexicano con calidad internacional.


El rock gótico y metal sinfónico: probablemente los géneros más apreciados por el público mexicano y el latinoamericano en general. Aquí en México, bandas como Lacrimosa, Nightwish, Epica, Whitin Temptation, Tristania, Lacuna Coil, Haggard, Therion, y un largo etcétera, son amos y señores de los oídos de muchos amantes de la música.

 Yo misma me confieso amante de sus sonidos: de la combinación de las guitarras metálicas y los batacazos de la batería fusionadas con los sonidos del teclado, cuerdas de violines y chelos, además de los coros épicos. El aspecto teatral, es otro de los sazones que le dan al metal gótico y al sinfónico esa personalidad tan propia y distinguible: los vestuarios de los músicos, la combinación de voces entre mujer y hombre, que se encargan de hacer de cada canción una puesta en escena en donde podemos disfrutar de historias trágicas que nos hablan sobre amores prohibidos, la muerte, la existencia humana y muchos otros temas que la música comercial no se atreve siquiera a contemplar.

 

Sin embargo, en nuestro país, pocas son las bandas que se atreven a dedicarse a este género, a pesar de la enorme audiencia con la que cuenta. Es cierto, existen bandas que se dedican al metal gótico y que pueden tener ciertos tintes sinfónicos, como es el caso de Anabantha (reseñados hace ya un rato en este blog), Morante, El cuervo de Poe, entre otros… pero, pocos son los casos de bandas que le apuestan a los arreglos orquestales y las voces operísticas.

 

El día de hoy, les vengo a hablar de una banda que se atreve a dedicarse al sinfónico sin miedo y que me da una cachetada de realidad para decirme: existe talento en este país y aunque pocos son los que se atreven, los que lo hacen, logran hacer discos de calidad. La banda de la que les estoy hablando es Nostra Morte.

 

En palabras de ellos mismos:

 

Banda de rock sinfónico que se comienza a desarrollar en el 2005 con la idea de un libro musicalizado, teniendo como fundadores a Daniel Pier (Pier LeMort) compositor y productor musical y a Jorge Manuel (Alferis DaMort) compositor literario, quienes comenzaron a forjar una cadena de cuentos musicalizados con atmósferas cargadas de misterio y drama en los que la letra y la música tenían la misma importancia y se fundían en un todo revelador guiándonos de principio a fin a través de mundos y situaciones mágicas.


Ante el interés que este proyecto suscitó en sus respectivos grupos de amigos fue que decidieron que debían seguir adelante y llevar esta visión musical propia al escenario. Fue entonces que se inicio la búsqueda de músicos para completar la alineación de la banda. Esta búsqueda concluyó a finales del 2006 cuando quedó conformada la primera alineación de la banda.”

La banda ha experimentando algunos cambios de alineación, quedando actualmente como:

Madam D’ LaMort (voz soprano)

Eiven DuMort (voz tenor)

Alferis DaMort (voz gutural)

Pier LeMort (guitarra principal)

Malek DeMort (guitarra rítmica)

Enhell Mort (bajo)

Arcan DiMort (batería)
Esta banda sinfónica mexicana tiene un demo y un LP en el mercado, de título “Un cuento antes de morir”, y actualmente se encuentran promocionando su 2° disco: “Sin retorno”.

Un cuento antes de morir” mostraba ya las características del estilo de Nostra Morte: 3 voces combinadas en constante pugna por el protagonismo, pero siempre fusionándose cuando era necesario. Atmósferas oscuras logradas con los teclados de Pier LeMort y los riffs de sus guitarras. Las letras de las canciones, fieles al orígen de proyecto, nos contaban cada una una historia distinta, historias tétricas y misteriosas.

¿Qué traen con su segundo disco: “Sin retorno”?

La banda cree en su proyecto, le meten ganas, se entregan en cada canción del nuevo disco, lo cual es uno de los ingredientes importantes para que una banda comience a tener éxito.

Con esta idea en la cabeza y para mejorar en producción y sonido, los integrantes de la banda contactaron a 3 vocalistas distintos para tener un trabajo más logrado en las canciones que así lo requerían.
Vámonos con la reseña:

  • Como buena banda de rock y metal sinfónico, Nostra Morte el disco comienza con una intro. Lo interesante de este intro es que a diferencia de muchas otras bandas, el intro fue grabado en vivo. Los aplausos, los gritos y la adrenalina de una presentación en vivo están plasmados en esa grabación.

Desde la introducción, se puede notar un cambio en la banda: un crecimiento en “epiccnes” por así llamarlo. Los arreglos orquestales y el poder de la sinfonía están aún más presentes, más palpables desde el principio e incluso me recuerda por momentos, a una de las obras realizadas por Hans Zimmer para la saga de “Piratas del Caribe”.

  • Sin retorno” se abre paso después del intro a base de riffs guitarreros y batacazos veloces que marcan el
     paso y nos llevan por una canción salpicada de arreglos orquestales y que sube las energías. Los coros engrandecen la canción para dar paso a una bonita pausa que nos deja a la expectativa de lo que pasará después. La voz de Madame D’ LaMorte se convierte en la protagonista, mientras los platillos de la batería la acompañan en segundo plano.

La canción va creciendo y Eiven se une a su compañera para llenar la canción de esa teatralidad que tanto caracteriza a esta banda.

Si habías escuchado a Nostra Morte en su disco anterior, puedes notar también un crecimiento en las voces de los vocalistas. Algo han hecho, han practicado más, mejorado sus técnicas de canto, solo ellos sabrán, pero se escuchan mejor que nunca.

Esta primera canción nos cuenta la historia (y puede ser que no esté en lo cierto), de un hombre que anhela la vida inmortal, pide a gritos desesperados el abrazo de un vampiro. Por momentos me recuerda a las historias de Anne Rice, específicamente en el libro de “Lestat el vampiro” en donde se habla muy a menudo del convertir en seres inmortales a los humanos.

Excelente rola para abrir un disco, elevando las energías y los ánimos desde el principio, dándole a su público un mensaje muy claro: la sinfonía y el poder de los coros se han convertido en nuestros mejores aliados para elevar musicalmente a la banda.

  • La tercera canción: “Erick el rojo”, es sin lugar a dudas, una de mis canciones favoritas en el disco. Épica de principio a fin, al nivel de las bandas de sinfónico internacionales. Los cambios de ritmo nos llevan a navegar durante 5 increíbles minutos en donde el barítono Pablo Atahualpa eleva los ánimos a un nivel estratosférico. Los riffs y la bataca, suenan poderosos y es obligación mencionarlos. Las voces?… mejor, imposible.

Nuevamente, la banda, y específicamente Alferis, nos trae una increíble historia: uno de los vikingos más famosos por ser fundador del primer asentamiento en Groenlandia es el protagonista de esta canción llena de arreglos épicos. Recomendada 100%

  • Para calmar los ánimos, pero sin perder calidad, llega la canción de “Nova”, que cuenta con una versión en español y otra en inglés, en dónde la soprano Gaby Koss, conocida por sus trabajos con Haggard, fue la elegida para ser la voz principal en esa versión.

Nova” inicia con la voz de Madame invitándonos a “soñar”, de esta manera los riffs dan paso al delicado sonido de las notas del teclado y todo comienza a centrarse en la hermosa y mejorada voz de Madame. La guitarra tiene también su protagonismo, mostrándonos que la capacidad de creación y experiencia han crecido en todos los aspectos de la banda.

Una balada que va jugando con los cambios de ritmo, yendo de los más delicados a los medios tiempos.

Las guitarras se lucen en esta canción, si eres tan amante de los sonidos de sus cuerdas, ésta será una de tus rolas favoritas dentro del disco.

  • Pronto llega una canción a medio tiempo, que avanza con la bataca de Arcan y una lluvia de metrallazos de guitarra que nos dan paso a un cambio de ritmo a uno más lento que va recuperando velocidad en la voz de Eiven.

Los coros son también una de las características a notar en esta canción y aunque al principio podría parecer una canción a medio tiempo cualquiera, conforme la vas escuchando, te das cuenta de las ganas que le pusieron los guitarristas a la creación de los riffs que además son aderazados con un excelente solo de guitarra. Maldito sea su coro, lo tengo grabado: “Dame un beso a la oscuridad para poder encontrar…”… ¿El nombre de la canción?: La prisión de los cien años.

  • Luego, inesperadamente llega un cambio en los sonidos de Nostra Morte. Con el título de “Cuando la muerte se viste de gloria”, unas guitarras y trompetas muy mariachis y por los cuales hay que darle puntos extras a la banda, hacen su aparición en nuestros oídos. Si alguna vez escuchaste el primer disco de Diablo Swing Orchestra, podrás reconocer que esta canción recuerda un poco a aquella “Poetic Pitbull Revolutions”, aunque aquella tenía más que ver una inspiración flamenca-española.

Sin embargo, esta canción tiene una personalidad propia, sobretodo por la voz rasposa, arguadientosa del vocalista invitado para participar como voz principal.

Hay que aplaudirles a estos muchachos el hecho de incluir sonidos tan variados dentro de su proyecto musical, y sobretodo, sonidos que nos hagan sentirnos orgullos de nuestras raíces culturales, las cuales son inmensamente ricas.

La voz de Lucano Herrera (si no me equivo, el nombre de este vocalista), se une a la voz de Madame en los coros, logrando una interesante combinación. Gran rola que junto con “Erik el rojo” se convirtió rápidamente en una de mis favoritas.

  • El llamado” llega después de ese despliegue de adrenalina, para continuar las historias que aún tienen por contarnos los originarios de Nayarit. Para los que son fanáticos de las voces guturales, Alferis hace su aparición en esta canción y es entonces el constante ir y venir de personajes, entre las 3 voces lo que hace una rola especial dentro del disco.

Ésta es probablemente una de las canciones que más recuerdan al disco anterior, el estilo está muy presente, y sin embargo, cuenta con una evolución en la composición musical, siendo incluso más compleja con sus constantes cambios de ritmo. Probablemente, la banda muestra una de sus caras más agresivas en esta canción.

  • La siguiente canción es otra de mis favoritas dentro del disco.“Camino al jaguar”, nos da la bienvenida y desde el comienzo nos da una idea de lo que podremos esperar de ella: mucho epicness. De nuevo la voz de Eiven y Madame nos llevan de la mano para introducirnos a la rola. Los arreglos de la canción son probablemente una de las características que más hay que resaltar al describir esta rola.

Un himno a uno de los animales más enigmáticos y adorados por nuestros antepasados mesoamericanos. Hacia el minuto 2:52 de la canción, los coros, acompañados de los increíbles riffs marchales de la guitarra, te transportan a siglos y siglos atrás, en los que nuestros ancestros (aztecas, mayas, olmecas), convivían junto a la naturaleza.

  • Un nuevo cambio surge de los sonidos de la banda: una canción que recuerda en estilo a canciones como “Necrótica”, de su primer disco, pero que sin embargo, cuenta con una increíble personalidad. Una de las mejores canciones del disco: desde el nivel musical hasta el nivel de composición lírico. “Requiem DeMort” es el título de una de las canciones que se te quedarán grabadas.

Si alguna vez hicieran bien una ópera metalera, esta rola definitivamente debería estar incluída. Me recuerda por momentos a Diablo Swing y a varias canciones dentro del nuevo disco de Nightwish. Las guitarras se lucen en sus solos protagonistas, lo cual les da puntos en mis oídos por ser la guitarra mi instrumento favorito.

  • Nos acercamos al final y “El mas es mi Dios” hace su aparición. Una canción que nos introduce a ella con las notas suaves del teclado, una canción relajada a medio tiempo, pero con esa atmósfera oscura que caracteriza a la banda.

Con la ayuda de los vocalistas, la canción crece al llegar el coro. Por momentos, esta canción me recuerda al sonido de Theatres Des Vampires. Ustedes dirán si les pasa lo mismo, pero estoy segura de que al menos alguien en la banda, ha tenido influencia de esta banda italiana de metal gótico.

  • Persefone” se abre paso y se gana su lugar en el disco, mostrando el crecimiento vocal que ha tenido la vocalista de la banda. Me parece que es una de las canciones en donde se puede apreciar más claramente lo mucho que Madame se ha esforzado por mejorar su voz y sus interpretaciones. Es una canción que a pesar de ir perfecta dentro del disco, suena única, distinta a sus hermanas. El sonido de la guitarra nuevamente me recuerda a lo que hace Emppu en su guitarra púrpura.
  • El amo del reflejo” nos lleva a una de las canciones que más disfruté dentro del disco: la influencia de Cradle of Filth y Theatres Des Vampires es totalmente innegable sobretodo en el trabajo de la voz chillona y gutural. Mientras nos acercamos al final de la canción, nuevamente las guitarras vuelven a tomar protagonismo para introducirnos de nuevo a la teatralidad de Nostra Morte. Una rola que te permite hacer headbanging a medio tiempo, sin problemas. Una de mis favoritas también dentro del disco, aunque suena menos “épica” que muchas dentro del disco. 
  • Y llegamos a “Pasión Nocturna”, que yo considero como la última rola del disco, ya que la sigue es “Nova (Join me to dream), la versión hecha con la increíble voz de Gaby Koss.

Pasión Nocturna nos da la bienvenida con el sonido de las cuerdas de un violín y un violonchelo y se extiende duran 2:18 segundos, haciéndonos viajar por una atmósfera dramática y misteriosa. Un cierre perfecto para un disco de una banda que se esforzó en dar el 100 en su segundo trabajo.

Si llegaste al final de la reseña, seguro:

a) Eres fan de Nostra Morte y esperabas una reseña en algún medio.

b) No tienes nada qué hacer

o la C (que espero que sea el caso): Nostra Morte ha llamado tu atención y ahora estás por ponerte a escucharlos para sacar tus propias conclusiones.
Para cerrar yo solo tengo que decir: apoyo a esta banda porque me parece, desde mi humilde opinión, que tienen aún un largo camino por recorrer y que les falta años de crecimiento. El talento lo tienen, lo han demostrado en su segundo disco y le echaron toda la carne al asador logrando canciones con una mayor complejidad musical y lírica que su trabajo anterior. Espero que los tengamos con nosotros un rato más, elevando el nombre de México en el género del metal y rock sinfónico. Compren el disco, apoyemos a la música nacional

Les dejo como siempre, un link a su página de contacto y algunos videos.

NOSTRA MORTE FACEBOOK 


Reseña: Storm Corrosion, la complejidad de dos genios musicales.


Tiempo me faltaba, pero las ganas siempre estuvieron ahí (sin albur). La verdad es que, los súpergrupos se han hecho cada vez más usuales, y muchas veces, estos súpergrupos ponen las expectativas por los cielos, y cuando por fin podemos escuchar el resultado, no siempre nos parece que el trabajo haya estado a la altura de lo que esperábamos obtener.

 Sin embargo, cuando nombres como Steven Wilson y Mikael Akërfeldt se mencionan en una sola frase, es casi imposible no parar el oído y sacarse la cerilla para poder escuchar con cuidado lo que se va a decir de ellos.

Estos dos grandes del progresivo de nuestra época, vienen trabajando juntos desde hace ya unos años. Tal vez no habían trabajado en un álbum como tal, pero Wilson había unido fuerzas para producir y grabar algunos de los proyectos de Akërfeldt… y bueno, al final, después de varios años de espera, por fin el tan esperado trabajo del inglés y el sueco llegó, y llegó con el nombre de “Storm Corrosion”.

 Sin embargo, para poder entender, o al menos, para saber qué esperar de Storm Corrosion era necesario haber tenido un acercamiento a los trabajos previos y más recientes de ambos artistas:

 

HERITAGE

Da click en la imagen para escuchar “Heritage” en Grooveshark

Portada “Heritage”

 

El más reciente álbum de Mikael y los dioses suecos de Opeth. Un disco que ha dividido opiniones entre la comunidad metalera y por supuesto, entre los fans de la banda. Su peculiar giro en el estilo y el sonido de la banda no parece haber dejado del todo contentos a muchos fans, quienes esperaban encontrar en “Heritage” una continuación de la fabulosa fórmula del estilo de los suecos: metal progresivo, intercalado con gruñidos y sonidos guturales, cortesía de la voz de Akërfeldt.

A otros más, el giro acústico, que remonta a los gustos de Mikael por el rock progresivo clásico y los sonidos setenteros , les pareció un excelente paso para continuar con la carrera de una las bandas más completas (en mi opinión) de los últimos años.

 

A mi en lo personal, el disco me ha paracido una épica demostración de la creatividad y el increíble talento que Mikael, y por supuesto, los integrantes de la banda, tienen. Me encantó todo de este álbum, desde la forma en que abre, hasta la última canción. Un disco que no tiene desperdicio por ningún lado y que a pesar de mostrar un lado diferente de los suecos, sigue manteniendo la complejidad de sus composiciones en la guitarra, batería, bajo y teclados. Incluso conseguí la versión especial del álbum, que además de traer canciones bonus, también incluía un interesante documental de cómo se realizó la placa y de las impresiones de cada uno de los integrantes de Opeth sobre su nuevo trabajo.

Yo soy de esas que disfruta cada disco de Opeth. Cada disco es distinto y tienen sus puntos altos, pero Heritage tiene un lugar especial en mis oídos por ser un disco en el que arriesgaron muchas cosas, para sorprender y darle a entender a muchos que Opeth hace música, en toda la extensión de la palabra. No se encasillan en ser una banda de metal, sus influencias son muchas y sus gustos muy variados, por lo que mostrar su capacidad para salirse de la fórmula e ir más allá de lo que se esperaba de ellos, es algo que se debe de apreciar.

 

GRACE FOR DROWNING

Haz click en la imagen para escuchar “Grace for drowning” en Grooveshark

 

Por su parte, el genio detrás de Porcupine Tree había sido casi canonizado por su segundo disco en solitario: “Grace for drowning”.

80 minutos de música delicada, atmosférica y compleja. Un monstruo que dejaba más que claro porque Wilson es considerado uno de los grandes genios dentro de la música rock contemporánea.

El disco fue dividido en 2, 40 minutos de música reflexiva, difícil de digerir de una sola escuchada, y que utilizaba ritmos acústicos, pasajes hermosos de piano, momentos de jazz y atmósferas oscuras por momentos. Steven hizo probablemente uno de los discos más experimentales y complejos del año pasado y no se podía esperar mucho menos de un personaje como lo es éste músico.

 

Y… ¿QUÉ ONDA CON STORM CORROSION?

 Una vez que escuchabas ambos discos y después de seguir algunas de las entrevistas que ambos artistas habían dado a medios especializados, se podía ver, más o menos, el giro que seguiría el trabajo de ambos, además de que Mikael, literalmente dijo que dentro del sonido que estaban creando juntos había una gran influencia de sus proyectores anteriores y que era casi imposible no pensar que así fuera.

 En algún blog leí que, lo “malo” de Storm Corrosion había sido el elemento de la falta de sorpresa. A esto, sólo puedo decir que, a pesar de que ya habíamos tenido previews de cómo sonaría el dúo, no se le puede quitar el crédito al majestuoso trabajo que estos dos hombres realizaron.

 No es noticia nueva que tanto el músico inglés como el sueco son grandes amigos con algo en común: el amor por la colección de vinilos de todos los géneros, pero sobretodo, la obsesión que tienen con el rock progresivo. Storm Corrosion es el reflejo del amor de estos dos músicos por este género y se puede percibir en cada detalle: desde la portada del álbum, que nos lleva a recordar el arte de las portadas de muchas bandas sesenteras y setenteras.

 

El primer álbum de este dueto está plagado de elementos atmosféricos, difíciles de digerir y que te obligan a sentarte a disfrutar cada una de las canciones sólo así, por el mero hecho de sentarse a escuchar un disco, como en aquéllos tiempos en donde tu vida era más simple y tenías el tiempo para hacerlo.

  •  El disco abre con el que es también el primer sencillo: “Drag Ropes”, una canción que se extiende por 9:52 minutos y que comienza con una atmósfera tétrica, oscura y misteriosa, en donde la voz de Mikael es el encargado de introducirnos a unos teclados y sintetizadores que van creciendo para aumentar la tensión de nuestras escenas mentales. Una canción que aprovecha la fuerza de las atmósferas tan bellamente logradas por los teclados. Paisajes oníricos que navegan en esa pequeña línea entre un sueño que comienza a ponerse demasiado extraño y la puerta de entrada a nuestra peor pesadilla. Casi al final de la canción, los coros que combinan las voces de ambos músicos se mezclan para terminar de inflar la canción a un nivel de tensión total, gracias al trabajo de batería y percusiones. Increíble canción, que además está acompañada de un vídeo igual de increíble y misterioso, muy al estilo de Tim Burton en sus inicios.
  •  La segunda canción del disco es la que la da título al trabajo: “Storm Corrosion” nos da la bienvenida con una guitarra acústica que suena delicada, mágica y poderosa, en lo que parece ser una “simple” melodía. La voz de Wilson es la que va a llevar el protagonismo durante los 10 minutos de canción. Una canción en donde parece que no pasa nada, pero pasa todo, llevándonos por pasajes de meditación, nostalgia y que envuelven nuestra alma de una calma que desearíamos fuera eterna. Poco a poco, los punteos de guitarra llegan a engrandecer aún más esta hermosa obra, que parecen tener toda la complejidad de los dedos de Akërfeldt. Hacía el último cuarto de la canción, la músca es adornada con sonidos tenebrosos y sombríos, que crean una atmósfera pesada y capaz de provocar tensión, para luego regresar a la calma a través de los arpegios de la guitarra y terminar la canción de una manera similar a la que comenzó. 

    Imagen del video de Drag Ropes

  •  “Hag” es la tercera canción del disco, y llega con el sonido de la guitarra, notas de un teclado delicado y la voz de Wilson que suena lejana, etérea, como la voz de alguien que nos llama mientras nosotros dormimos. La canción va creciendo con la atmósfera de los teclados y sus sonidos espectrales. Los cambios de ritmo y tonalidades llegan de la mano del piano de Wilson, y van creciendo hasta convertirse en un paisaje sonoro desconocido, en donde nos llevan a través de la oscuridad, sin saber que hay a nuestro alrededor hasta llegar a un punto culminante en donde la batería comienza a sonar fuerte, arrebatadora y que al fusionarse con el teclado, las escenas se hacen aterradoras. Los cambios de texturas musicales están en cada zona de la canción, tal y como nos tienen acostumbrados ambos músicos en sus respectivas bandas.

 

  • La cuarta canción del álbum es “Happy”, una canción que por momentos recuerda al incio de una canción del disco Heritage, por el sonido de la guitarra acústica, muy al estilo de Mikael, pero acompañado por la voz de Wilson, que en combinación con la de Akërfeldt le dan una increíble fuerza a las sensaciones transmitidas. Los teclados, la guitarra y un sonido que parece ser de un bajo, marcan el paso a un pequeño silencio y la llegada de un nuevo cambio en la atmósfera de la canción. Una canción inmensa, que es aderezada con sonidos angustiosos de una distorsión que nunca logramos entender de donde proviene para luego cerrar en un silencio incómodo que nos deja con la sensación de un corte abrupto.

 

  • “Lock Howl”, comienza con un gran ritmo en donde podemos escuchar que en verdad la influencia de Heritage llegó y caló muy profundamente en la creación de esta quinta canción. Canción que se desenvuelve con la genial complejidad del sonido acústico de las guitarras de Akërfeldt y que va creciendo, agregando más y más elementos, hasta convertirla en una canción llenas de tantas capas como una cebolla. Una canción totalmente instrumental y que después de un momentáneo detenimiento crece gigantesca apoyada por el sonido de los teclados y sintetizadores setenteros.

 

  •  La sexta y última canción del disco, lleva por título “Ljudet Innan”, abre con la voz de Mikael, traída por oleadas de viento onírico y acentúada con cada una de las notas de los teclados. Una canción en donde la tensión proyectada en las otras 5 canciones del disco, desaparece un poco, dando un respiro a tanta atmósfera siniestra rondando en nuestros oídos y da paso a una sensación de un sueño placentero. Una canción para relajarse y terminar de disfrutar lo que estos músicos nos retaron a escuchar durante los minutos pasados.

 Hay que concluir diciendo que, Storm Corrosion no hizo un disco para nadie, más que para ellos mismos, llevándonos por paisajes retadores. No es un disco para cualquiera, sobretodo en estos tiempos donde la mayor parte de la música se hace para comerse y digerirse de un solo bocado. Estamos ante un disco que nos reta a escucharlo detenidamente, a analizarlo y a darnos cuenta de que con cada escucha se va haciendo más y más complejo. Es también un disco para disfrutar individualmente. No me parece que la experiencia se haya hecho para ser compartida, sino todo lo contrario, debe ser una escucha muy privada en donde no puedes terminar perdiéndote en lo superficial de su sonido y pensar que es un disco largo y aburrido. 

 De una forma u otra, al escuchar a Storm Corrosion me siento como aquéllos vírgenes incautos, que escucharon por primera vez obras maestras del rock progresivo sin lograr entender del todo que es lo que se les estaba ofreciendo a degustar.

No sé cual es mi veredicto sobre quién está más presente en las canciones: por momentos me parece que el disco es más similar a “Grace for drowning” y por otros, me parece que el coqueteo descarado con Heritage es demasiado obvio. Aunque, tal vez, Storm Corrosion es sólo el perfecto equilibrio entre el genio de Wilson y la poderosa mente creativa de Akërfeldt.

Da click aquí para escuchar a “Storm Corrosion” en Grooveshark


Que Hay De Nuevo En Los Oídos…

Steven Wilson y Mikael Akerfeldt

Aprovechando que hoy tengo más tiempo para escribir, también me gustaría compartir algunas cosas que ando escuchando en estos días y las cuáles espero, pero no puedo prometer, que reseñaré y comentaré pronto.

  1. Storm Corrosion:
Steven Wilson y Mikael Akerfeldt

Dios dioses del progresivo.

Steven Wilson de “Porcupine Tree” y Mikael Akërfeldt haciendo mancuerna, y ya no sólo a nivel producción de Opeth. Probablemente, es uno de los trabajos que se esperaban con más ansías dentro del mundo de los amantes del rock-metal progresivo y en el que ando adentrándome estos días.

Por el momento, si no los has escuchado, valdría la pena que le eches una oída al primer “single” del disco, que además viene aderezado con un increíble vídeo. Mis respetos, mucho tiempo de pre, pro y post producción se debe haber llevado este vídeo.

  1. Sóley:

Sóley

Muy fuera de lo que normalmente escucho, pero… WOW. Mis respetos para esta mujer que me tiene enamorada de su sonido desde hace 3 semanas. Increíble disco. Les dejo el link en grooveshark para que tengan oportunidad de escucharla. (más…)


Reseña Epica: ¿Está “Requiem For The Indifferent” A La Altura?


Por fin, después de varias semanas me daré el tiempo para escribir sobre Epica, que sin haberlo planeado, se ha convertido en la banda que más he reseñado en este blog.

Las disculpitas:

El disco anterior de esta banda holandesa “Design Your Universe”, es un caso extraño para mí. A muchos les pareció en su momento el mejor disco que Epica había grabado, a mí, no me parecía gran cosa. Es cierto, técnicamente Epica había mejorado muchísimo, la maestría en los instrumentos se había hecho más evidente, la fuerza y la voz de Simone había mejorado con creces, pero yo seguía diciendo que el “The Divine Conspiracy” me parecía en muchos aspectos, superior a cualquier otro disco que la banda hubiera hecho hasta ese momento.

Aprovecho este post para decir que muchas veces, un disco no te parece tan bueno, pero tiempo después, en otro contexto de tu vida y habiendo escuchado muchas otras cosas en el camino, regresas a ese disco “no tan bueno” y tus sentidos lo detectan diferente, mejor, mucho más superior de lo que habías pensado al princio. Esto fue exactatemente lo que me ha pasado con “Design Your Universe”, que ahora, mucho tiempo después de haberlo reseñado, me ha parecido un disco increíblemente bueno, superior en muchos aspectos (especialmente técnicos) al compararlo con “The Divine Conspiracy”.

De esa forma me dí cuenta de que caí en uno de los mayores pecados: dejé que mi subjetividad, impulsada por mis ataduras emocionales y de contexto con The Divine Conspiracy, pudiera más que el análisis crítico.

En pocas palabras, me retracto de la reseña de “Design Your Universe” no porque alguien haya influido en mi opinión, sino porque mi contexto ha cambiado y ahora más que nunca, me parece un excelente disco.

Habiendo terminado la parte de las “disculpitas”, creo que es necesario comenzar con la reseña del nuevo disco. (más…)


Schoolyard Heroes: Los Frankenstein nacidos de la fusión de géneros.


Ahora que he cambiado de trabajo, el cual se basa prácticamente en pensar y escribir, no debería de tener razones para no sentarme a escribir un post en el blog.

El post de hace unas semanas, en la que reseñaba el nuevo disco de Nightwish, fue un post “progresivo” (por eso de la gran, gran extensión). Es por eso, que ésta semana quise divertirme un poco, escribiendo sin tantas complicaciones, ni análisis mareadores y escogí a esta banda como la banda que quería elegida por los dioses del inframundo.

 Schoolyard Heroes es una banda que en sus discos, suena aún más divertida que su nombre. La banda tiene uno de los nombres más cool y menos relacionados con el tipo de música que hacen o las letras que escriben.

Estos “héroes”, son probablemente una de las bandas con la que más me he divertido escuchando música. Con un sonido característico, que me hace reir mientras lo escucho y que además, combina una serie de temas que me fascinan: zombies, licántropos, historias de amor tétricas, películas de terror y humor geek, la banda se convierte en el cóctel perfecto, así como me lo recetó el doctor Frankenstein. (más…)